Prendere consapevolezza dei propri condizionamenti.
Nucleo di questo processo è il lavoro sul corpo. Il corpo è depositario, infatti, di un sistema di atteggiamenti e posture che sono la sedimentazione di ciò che siamo. La nostra postura racconta. Esercizio principale di questa fase, di mia elaborazione, è quello che chiamo “Dell’esagerazione” che dà risultati sorprendenti.

In questa fase si arriva a liberarsi, a comando (da parte dello stesso attore, quindi con una procedura ripetibile), dai condizionamenti posturali, si acquisisce la capacità di gestire il corpo e di renderlo “neutro” e pronto ad assumere la fisicità del personaggio, che, per lo stesso principio, è idoneo a raccontare la sua storia.

Esercizio principale di questa fase, di mia elaborazione, è “La postura nei proverbi e nei modi di dire”, attraverso cui, partendo dalla saggezza popolare contenuta nei modi di dire diffusi e collegati al corpo (si pensi, per esempio, al detto “Avere le farfalle nello stomaco”), si compiono una serie di esperienze sulla relazione tra emozione e fisicità con la possibilità di attivarla a comando e quindi di utilizzarla, velocemente, per il proprio personaggio.

è centrale nel percorso.

In questa fase l’attore si abitua prima di tutto a uscire da una tendenza all’autorefenzialità in favore di un atteggiamento di apertura verso il personaggio e nei confronti del pubblico (il cui bisogno è vedere un personaggio sul palcoscenico e non un attore bravo a emozionarsi).
Esercizi principali di questa fase, di mia elaborazione, sono quelli dell’ “Esatto opposto” e de “I fili del vizio”.
L’ironia è parte fondamentale di questa fase. La ricerca sul meccanismo della risata mi ha portato, infatti, a capire come la risata sia lo strumento principe per mettere distanza tra sé e i propri “vizi” fino a guardarli da fuori e quindi a liberarsene.
Mi accorgo che il processo è compiuto quando l’attore assume un’espressione precisa che si trasforma in risata che gli provoca uno scintillio particolare negli occhi, segno che la sua coscienza sta “prendendo in giro” la personalità.
L’utilizzo dell’ironia e della risata è uno strumento eccellente anche per costituire la comunità, il gruppo di lavoro. Questa fase del lavoro dell’attore su di sé è centrale, contiene vari step e l’utilizzo di tanti strumenti. Fa arrivare alla consapevolezza che la conoscenza di sé è fondamentale per diventare bravi attori e questo ha come conseguenza, altresì, un percorso di crescita personale in cui l’attore scopre cosa lo stimola, cosa lo motiva, impara a usare i propri demoni per conoscere se stesso e incanalare le energie.
Questo gli consente di affrontare senza ansia il palcoscenico, di essere consapevole della sua funzione, e di affrontare con grande centratura questioni personali, affrontare il lato oscuro di sé, le paure, le convinzioni, l’ego che, anzi, diventano colori con cui dipingere i propri personaggi e gestire tutte le questioni legati alla messa in scena.

In modo da individuare bisogni, desideri, paure e tutto quello che riusciamo a recuperare del personaggio dal punto di vista fisico, emotivo e mentale.

Che dopo le varie fasi del lavoro giunge naturalmente e senza tracce di giudizio verso il personaggio.

Utili al personaggio per imprimergli un’impronta personale; questo rende l’interpretazione intensa e tipica di quell’attore; in questa fase si lavora per individuare e liberare la creatività, cercare le caratteristiche specifiche di ciascun attore con pratiche/esperienze/esercizi che rafforzano la parte artistica, l’unicità dell’attore e la fiducia in sé.

La tecnica è necessaria per dare corpo al personaggio e per la messinscena di uno spettacolo.

Nei corsi full moon che Il laboratorio prevede la realizzazione di uno spettacolo di fine corso.
Nei corsi half moon che Il laboratorio porta, per chi lo desidera, alla messa in scena di monologhi di fine corso.